En el mundo existen dos maneras de desarrollarse como artista: aquellos que han escogido el arte como medio de vida y aquellos que lo compaginan con su profesión. Ambas formas marcan el carácter de la persona y la manera en que el entorno influye en su obra, por los diferentes retos que debe atravesar para lograr consolidarse como tal. Por un lado, las personas que han escogido el arte como su medio de vida, se enfrentan con la necesidad de subsistir con la venta de su trabajo, por lo que su fuente de ingresos se liga por completo a su pasión. Por el otro lado, están los artistas de medio tiempo; aquellos que comparten el arte con alguna otra forma de subsistencia y que se enfrentan a otro tipo de problemas que influyen en su obra.

El artista de medio tiempo tiene ingresos, pero no tiene tiempo
Algunos somos diseñadores (de alguna manera, ligado de cierta manera a las artes plásticas) otros son programadores, administradores etc. Todos tenemos una profesión que nos sustenta y nos mantiene estables sin sentir la presión de tener que obtener una remuneración por nuestro trabajo, lo que nos mantiene en un plano reconfortante. Sin embargo, no tenemos el tiempo para producir lo mismo que un artista de tiempo completo. La vida de un artista de medio tiempo comienza al momento que ejerce alguna responsabilidad rutinaria, y desde ese momento, su trabajo comienza a pasar por un grado de deterioro y olvido; lentamente se ve desplazado por la vida diaria hasta que lentamente se olvida. Puede haber brincos espontáneos de deseos, tiempo y ánimos para hacer algo, pero siempre estamos limitados por el tiempo y no por el bolsillo, por lo que nuestra obra se desarrolla en ese espacio que le dediquemos.

Existe una mezcla de nostalgia y ánimos espontáneos por el arte
El artista de medio tiempo tiende a desatender su obra por sus costumbres cotidianas, y con el tiempo, llega a abandonar un poco su arte por la profesión que ejerce. En numerosas ocasiones, siente nostalgia por aquello que dejó y brota en su interior una efímera sensación de retomar su arte, así que se prepara para comenzar un nuevo proyecto que difícilmente se concreta y termina desatendido, regresando al círculo del que tantas ganas desea escapar.

El artista puede darse el lujo de escoger con exactitud lo que quiere plasmar
No todo es tan abrumador para el artista de medio tiempo. Si hay algo que puede tener que sea más gratificante que el dinero, es la capacidad de escoger que quiere hacer. Puede ser algo sencillo, complejo… no importa. Tiene plena libertad para plasmar lo que guste sin tener que valerse de terceros que le indiquen que tiene que hacer. Además, puede darse el gusto de regalar, vender u ofrecer su arte a quien quiera y como quiera.. Es un gusto muy egoísta de su parte, pero es algo que necesita darse dado que su obra es producto del gusto que se otorga en breves ratos.

Ser artista de medio tiempo es manter un ciclo de altos y bajos, de mantener la idea de retomar aquello que hemos comenzado. Tal vez muchos hemos dejado algún proyecto inconcluso o nuestras herramientas en algún cajón durante mucho tiempo. Retomarlas y continuar ese camino que dejamos es retomar aquella característica que nos hace sentir vivos, libres y con la capacidad de crear y explotar todo aquello que tenemos en nuestra mente.

Muchas gracias a todos los que acudieron a la exposición de mis dibujos y pinturas y a la presentación del libro “Historias y personajes de las regiones de México” en el Baktun Arte y Cultura. Fue un rato bastante placentero, les agradezco su compañía y su apoyo. Los dejo con la galería de fotos que tomé aquel día. ¡Saludos!

El próximo 27 de Marzo tendré la oportunidad de exponer mis dibujos y pinturas en el Baktun Arte y Cultura ubicado en la colonia Condesa en la Ciudad de México. Debo decir que estoy muy entusiasmado, pues el lugar me pareció bastante agradable, lleno de una buena vibra y de gente bastante accesible. Ese mismo día, se llevará a cabo la presentación del libro Historias y personajes de las regiones de México de Juan Carlos Cacho, un compañero con quién he tenido la oportunidad de trabajar en numerosas ocasiones desde Alfaomega, y en este libro, colaboro con el diseño y la formación del mismo.

Les dejo los datos del lugar para que peudan asistir, habrá bocadillos y un excelente ambiente.

Baktun Arte y Cultura
Sábado, 27 de marzo 2010 a las 17:30
Alfonso reyes #131 (2da esquina con Tamaulipas junto a la iglesia Santa Rosa de Lima)
Colonia Condesa

Cuando realizo algún dibujo, pintura o gráfico, me surge la problemática de poder crear la “impresión” de que esa mezcla de trazos y formas se parezca al objeto que trato de interpretar, y es en esos momentos que me pongo a pensar: ¿Qué es lo que hace “agua” al agua de una pintura? ¿Como se hace para abstraer un árbol y que siga pareciendo un árbol? Es en esa precisa decidia donde creo que radica una gran limitante para poder crear un gráfico abstracto, o crear cierto elemento en una pintura.

Primero, me gustaría analizar algunas pinturas y logotipos para ver sus elementos:

Campo de trigo con cipreses, Vincent van Gog
Los colores verdosos de las nubes y sus formas revueltas y entremezcladas nos dan la idea de un cielo turbulento. Y es precisamente a esa extraña masa de color lo que consideramos como el cielo del cuadro.

La nube, Dr. Atl (Gerardo Murillo)
En este caso, tenemos una gigantesca nube pétrea como protagonista del cuadro, que consiste de formas más marcadas y colores violáceos.

Ballons, Mahir Ates
En esta pintura digital vemos unas nubes mas realistas, trabajadas con formas y tonos mas acordes a la realidad.

Con los gráficos suceden cosas similares

Windows Live
Un logo que reconocemos de inmediato, es una serie de formas que agrupadas dan la idea de una mariposa volando.

Papalote Museo del Niño
La forma de la mariposa se limita a una silueta que detalla sus partes esenciales: alas, cuerpo y antenas.

Vicky Form

La mariposa es más evidente pues su silueta es mas detallada en la parte de las alas. Aún así, no deja de ser una silueta.
En ambos casos vemos las mismas formas, un cielo con nubes y una mariposa, creadas de manera distinta. Ahí es donde esta la parte importante de todo, y donde muchas veces me quebraba la cabeza para hacer parecer una forma como un árbol, un flor o un ave. Finalmente llegué a la conclusión que crear esas figuras era básicamente imposible. ¿Por qué? porque solo creamos impresiones de los objetos reales de nuestra vida diaria, y lo hacemos por medio de formas que delinean un parecido al objeto de la realidad, y además si les agregamos un color o más, empatamos más nuestra creación asbtracta con su contraparte real.

¿A que nos lleva todo esto? a una simple solución que a mi en lo personal, me ha facilitado mucho la creación de gráficos en todos los aspectos. Primero, dejé de crear gráficos con esta idea en la cabeza: estoy creando un árbol. En cambió, ahora tengo esta mentalidad: voy a crear algo que de la impresión de que es un árbol. De esta forma, me limito mucho menos; utilizo formas diferentes, varío su posición, altero los colores y cambio su grado de abstracción. El resultado es un descuelgue menos auto-restringido de opciones para generar más posibilidades y a mi parecer, llegar a establecer un estilo personal, que tal como vemos en las pinturas, es una manera muy personal de interpretar las cosas, y por lo mismo, cada artista tiene su propia forma de crear elementos de la realidad sin tener limitaciones de forma y color. Ellos simplemente saben que para ellos, esa rara masa de colores es un cielo, y que en conjunto con el resto de la composición, dara la impresión de que eso es el cielo. Con los gráficos pasa algo similar; así como vimos 3 diferentes estilos para poder simular una mariposa, nos lleva a una enorme gama de posibilidades para poder abstraer la misma mariposa y obtener nuevos resultados. Podríamos usar por ejemplo, cuadrados, líneas, o puntos. A final de cuentas, no estamos creando una mariposa, sino que hacemos que las formas que creamos den la impresión de serlo.

Creo que algunos principios sencillos como este sirven para expander la mente y no limitarnos a crear cosas en base a un concepto preestablecido. Esto nos ayuda a ver las reglas desde otra perspectiva y ampliar nuestra creatividad.